Музыка

Дом на полпути — Юрий Кукин

Дом на полпути

Цена: 300 рублей

Название: Дом на полпути

Автор: Юрий Кукин

Серия: Библиотека авторской песни `Гитара и слово`. Большая серия

Год выпуска: 1991

ISBN: 5-853-02051-10

Страниц: 192

Описание:
В 60 — е годы, в их стремительную сменяемость однажды ворвались песни Ю. Кукина. Рассказывали они об очень негромком — дорогах и поиске смысла, друзьях и одиночестве, проявлении тепла и доброты. С тех пор минуло много лет, но популярность строк `Ая еду, а я еду за туманом`, `Горы далекие, горы туманные, горы`, `Ах, гостиница моя, ах, гостиница`, интерес к их автору остаются неизменными. Ныне он артист Ленконцерта, выступает со своими песнями в разных городах страны. В сборник включена значительная часть песен, созданных Ю.Кукиным. Они объединены в тематические разделы, в каждом из которых есть комментарии автора или рассказы его друзей, коллег по жанру. Книга рассчитана на массового читателя.

Акустическое пианино или синтезатор? выводы из личного опыта

Когда в детстве я поступила в музыкальную школу, мы всей семьей пошли покупать пианино. Единственное, что я помню, это ужас моей мамы, когда я с восторгом указала на огромное пианино с подсвечниками, ведь мы жили в двухкомнатной хрущевке. В итоге было куплено самое небольшое отечественное пианино уже не помню какой марки, которое заняло место у меня в комнате.

В течение 8 лет я изводила родителей и соседей своими ежедневными занятиями. На всякий случай уточню – ученик музыкальной школы обязательно должен заниматься каждый день и не меньше, чем по часу, а лучше по два. С соседями после нескольких нервных разговоров была достигнута договоренность – заниматься не позже 10 вечера. Во время летних каникул на даче я ходила заниматься в местный клуб, а при выборе дома отдыха или пионерского лагеря у родителей была отдельная забота – найти мне пианино.

Но это история 25-летней давности, тогда действительно единственным вариантом при выборе пианино был деревянный акустический инструмент, вариации существовали исключительно на тему производителя, качества звучания и цены. Сегодня же к этому прибавился огромный новый пласт инструментов – электронных. У них масса достоинств – они дешевле, меньше по размеру, обладают широчайшим набором дополнительных функций, недоступных в обычном пианино. Но до сих пор многие предпочитают акустические инструменты электронным.

Для профессиональных музыкантов, связавших свою жизнь с классической музыкой, выбор акустического инструмента представляется единственно возможным. Натуральный звук высококлассного рояля, да еще и в хорошем концертном зале человек с тонким музыкальным слухом не сможет променять на электронное звучание.

Однако для остальных людей, по-моему, это связано с воспоминаниями и традициями. Это как со строительством дома – разработаны новые прекрасные технологии, а люди до сих пор предпочитают строить из дерева или кирпича, потому что в таких домах они выросли, и радостные детские впечатления хочется воплотить наяву. Кроме того, для многих игра на фортепиано – это нечто, приближающее к высшему обществу прошлых веков, когда дамы в вечерних туалетах или мужчины в смокингах садились за рояль и исполняли музыку для гостей. Итак, делаю первый вывод: акустический инструмент лучше синтезатора благодаря «живому» звуку и ощущению, которое я бы назвала «шарм прошлого».

Но если обратиться к реалиям обычной жизни, то все выглядит немного по-другому. Обычные акустические пианино не дают высококлассного звука. Недорогое акустическое пианино в жизни будет звучать хуже электронного за ту же цену. Почему? Потому что пианино – это ручная работа, натуральное дерево, дорогостоящая перевозка и неоднократная настройка с вызовом мастера на дом.

За те же деньги можно купить не просто средненький, а очень качественный синтезатор с мощной акустикой. Это продукт промышленного производства, и дефекты здесь маловероятны, а стоимость одного экземпляра существенно ниже. Есть еще несколько аспектов. Звук деревянного пианино очень зависит от влажности воздуха, от акустических особенностей помещения.

Синтезатору такие проблемы незнакомы. А акустическая система хорошего синтезатора в обычной обстановке (не в концертном зале) прекрасно передаст все нюансы как классического фортепиано, так и других инструментов, тембры которых встроены в синтезатор. Таким образом, получаем второй вывод: недорогое акустическое пианино, которое обычно покупают домой, уступает синтезатору такой же стоимости по качеству звучания.

Что же касается «шарма прошлого», это важнее для людей среднего и старшего возраста, а дети и молодежь чаще предпочитают современный дизайн и новые технологии. И здесь безусловное первенство за электронными инструментами.

Когда я окончила музыкальную школу, пианино было надолго заброшено – уж очень я от него устала за годы обучения. Поэтому когда к нам приехала пожить родственница, пианино было решено продать, т.к. места для двоих в моей комнате не хватало. Я до сих пор помню ощущение простора после того, как пианино вынесли. Но через пару лет мне стало жалко своих умений.

Связываться с громоздким инструментом мне больше не хотелось, а к этому моменту я уже пробовала играть на синтезаторе, и это было уже не скучное занятие, а развлечение: возможности играть классические произведения в разных тембрах, аккомпанировать любимые песни с качественными ритмами. В результате я купила синтезатор. И когда пришло время съехать от родителей, забрала его с собой – просто положила в багажник машины.

Казалось бы, синтезатор – оптимальный инструмент для дома. И я соглашусь – с одной оговоркой. Если только это не для ребенка, поступающего в музыкальную школу. Преподаватели настоятельно рекомендуют родителям не приобретать для своих детей синтезаторы. Почему?

Все очень просто. Музыкальная школа – это начало подготовки профессиональных музыкантов. Экзамены и концерты проходят в концертных залах на настоящих концертных роялях. Только так будущие музыканты могут услышать свою игру в настоящем «живом» звуке, о котором я уже упоминала.

В моей музыкальной школе ученики играли на рояле на экзаменах в конце каждой четверти, плюс обязательные репетиции в концертном зале перед каждым выступлением. Лучшие ученики участвовали в многочисленных концертах и имели возможность играть на сцене гораздо чаще. А для того, чтобы играть на рояле, требуется определенное усилие при нажатии на клавиши, которого не натренировать на облегченной клавиатуре синтезатора, ведь усилие при нажатии на клавиши синтезатора меньше, чем при игре на акустическом пианино или рояле. Получаем вывод третий: синтезатор не подходит для ребенка, поступающего в музыкальную школу.

Поэтому для учеников музыкальных школ, а также для тренировки профессиональных музыкантов производители электронных клавишных инструментов разработали особый вид электронных клавишных инструментов – цифровые пианино. Их ключевое отличие от синтезаторов – это полноценная имитация молоточкового механизма с обеспечением точно такого же усилия при нажатии на клавиши, как и при игре на акустическом пианино или рояле.

На всякий случай объясню, что такое молоточковый механизм. Принцип действия пианино таков: когда нажимаешь на клавишу, ты фактически толкаешь небольшой молоточек, который ударяет по натянутым внутри струнам и получается требуемый звук. Естественно, чтобы этот молоточек толкнуть, нужно чуть большее усилие, чем просто нажать на кнопку, которой по сути является клавиша синтезатора. То есть цифровое пианино удовлетворяет всем требованиям преподавателей музыки, сохраняя преимущества синтезаторов.

А в чем эти преимущества? Их довольно много и, на мой взгляд, они реально важны в обычной жизни.

Синтезаторы и большинство цифровых пианино компактнее обычного пианино, и это крайне важно, если у вас небольшая квартира.
У них огромный набор встроенных функций – сотни тембров, ритмов, аккомпанементов. Их можно соединять с компьютером и записывать свои произведения и аранжировки. Многие обладают встроенными системами обучения игре на пианино (даже тратиться на педагога не надо, хотя лично я и не сторонник такого обучения). При этом если вы боитесь, что ребенок будет отвлекаться от занятий – можно приобрести и чисто фортепианную версию (то есть без встроенных тембров и ритмов, но со всеми остальными преимуществами).
Стоимость нового синтезатора высокого уровня ниже стоимости стандартного подержанного акустического пианино с накладными расходами (перевозка и доставка в квартиру, настройка). Цифровые пианино подороже, но не намного.
Продать электронный инструмент при необходимости намного проще (мы наше пианино продали за сущие копейки).
Дизайн синтезатора и уж тем более цифрового пианино гораздо лучше подходит к интерьеру современной квартиры, чем деревянное пианино, особенно если оно стандартное. Цифровые пианино премиум-класса (у Casio это серия Celviano) выглядят просто роскошно.
Хороший цифровой инструмент обладает качественной и мощной акустической системой, превосходящей по качеству звука стандартное деревянное пианино. Некоторые модели можно даже использовать как караоке – к ним подключается микрофон.
Неоспоримый плюс любого цифрового инструмента – наличие наушников. Если ваш ребенок уже начал обучение в музыкальной школе, вы поймете, о чем я – ежедневные полтора-два часа занятий (с неизбежными ошибками и фальшивыми нотами) могут реально вывести из себя, а уж если у вас в семье маленький ребенок, то выбрать время для занятий вообще проблематично. Если ребенок на каникулы уезжает на дачу, то можно, конечно, купить инструмент и туда (заниматься ведь необходимо!), но можно и забрать компактное цифровое пианино с собой – просто открутить ножки и сложить в багажник. С акустикой это невозможно.

Таким образом, делаю последний вывод: цифровое пианино – это оптимальный выбор для семьи, где ребенок серьезно обучается музыке. Такое пианино сможет послужить ему и для серьезных занятий, и для развлечений, и даже если ребенок станет профессиональным музыкантом, пианино не утратит своей актуальности. При этом если эти занятия не очень серьезные, можно пренебречь эффектом молоточкового механизма и приобрести синтезатор, что при прочих равных функциях окажется дешевле. Но это уже будет компромиссное решение.

Лично я когда выбирала для себя электронный клавишный инструмент, выбрала синтезатор, а не цифровое пианино. Мне было все равно – с какой силой нажимать на клавиши, ведь я покупала его для собственного развлечения, а лишних денег не было. Когда я переехала от родителей, синтезатор занял постоянное место в квартире (компактные размеры позволили поставить его внутри встроенного шкафа и когда я хочу поиграть, просто раздвигаю дверцы, внутри я заранее предусмотрела розетку, светильник, полку для нот). Иногда по случаю где-нибудь играю на акустическом пианино. Разница чувствуется, но не критично.

С момента покупки синтезатора прошло лет десять, он прекрасно работает – у меня Casio WK-1800, в нем нет некоторых новых функций типа USB-соединения, записывать музыку можно только на 3-дюймовые диски, но честно говоря, я этой функцией ни разу не пользовалась. В этом году сын-первоклассник начал заниматься музыкой.

К карьере музыканта мы его не готовим, занимается он в частном порядке и преподаватель требований к инструменту не выдвигала. Поэтому вопрос приобретения другого инструмента даже не возникал. Его друг-одноклассник поступил в музыкальную школу, и педагог настоятельно рекомендовал «правильный» инструмент. Родители купили ему компактное цифровое пианино Casio CDP-100, которое прекрасно вписалось в угол двухкомнатной квартиры. Когда на каникулы ребенок уезжает на дачу, пианино берут с собой.

При подготовке этой статьи я стремилась выразить свое личное мнение относительно выбора инструмента для дома, имея определенный опыт игры и на акустике, и на электронном пианино. На мой взгляд, оптимальный способ сделать правильный выбор – ознакомиться с разными мнениями и аргументами и принять собственное решение, с учетом собственных целей и возможностей. Надеюсь, моя статья поможет вам в выборе. И удачного музицирования!

эксперт MuzMart

Мария Мотт

Создание новых песен и музыки. Цикл статей. Часть 1. Введение

Создание новых песен и музыки
Цикл статей
Автор — Владимир Шабля.
Введение
Новых красивых, романтических песен слышно всё меньше
Всю жизнь я люблю мелодичную музыку и красивые песни: слушать, играть, петь, сочинять. Но в последнее время стал замечать, что из услышанной мною новой музыки удельный вес действительно красивых, романтических, ритмичных песен и мелодий стал значительно меньше, чем раньше.
Что-то случилось с талантливыми композиторами, поэтами, авторами песен?
Почему? Неужели оскудела Земля талантами? А может я просто постарел, перестал адекватно воспринимать современную новую музыку и песни? Или мне насильно суют на каждом шагу сомнительный ширпотреб? А не заглох ли энтузиазм у действительно талантливых композиторов и поэтов к сочинению «перлов»? А как вообще сочиняется новая музыка и песни?

Что делать, чтобы хорошей, красивой новой музыки было больше и чтобы она была на слуху? Как включить дремающий пока потенциал сочинения музыки и песен нашего народа?Автор песен, композитор Владимир Шабля: вопросы задаю в первую очередь себе
Все эти вопросы я — автор песен, композитор Владимир Шабля уже достаточно давно задаю себе и как любитель музыки, и как автор песен и инструментальных произведений, и как гражданин, и, в конце концов, как ученый, любящий анализировать, сравнивать, раскладывать всё по полочкам.
Систематизировать знания и действовать вместе для блага процветания красивой музыки и песен
Уверен, что пришло время систематизировать свои и чужие мысли и знания, поделиться и обменяться ими с широкой аудиторией коллег, любителей музыки, озабоченных подобными же вопросами, услышать и вместе обсудить их мнения и предложения. Думаю, единомышленникам возможно действовать дальше вместе для блага процветания красивой музыки и песен, несущих всем людям в подсознательно доступной форме прекрасное, доброе, вечное.
Хорошая красивая музыка и песни — прекрасный способ воспитания хороших красивых людей
А это уже выход в первую очередь на наше будущее поколение, на возможность наших детей и внуков жить в человечном и светлом мире. Ведь хорошая красивая музыка и песни — это один из самых эффективных и дешевых способов воспитания хороших красивых людей. До осознания этой простой мысли мы пока ещё не доросли. Но надеюсь, что вместе дорастем и дорастим наших политиков и капиталистов до меценатов.
Темы статей из цикла «Создание новых песен и музыки»
В предлагаемом цикле статей «Создание новых песен и музыки» я намереваюсь обсудить следующие вопросы:
1. Музыка и песни — эмоции, превращённые в звук.
2. Составляющие для создания красивой музыки и песен.
3. Какую музыку мы любим?
4. Музыкальный шоу-бизнес: почему мы слушаем не то, что любим.
5. Неужели нет новых музыкальных талантов?
6. Что делать любителям музыки, патриотам и авторам новой музыки и песен.
7. Как проверить себя на способность сочинять музыку или песни.
8. Как я сочиняю новые песни и музыку.
9. Оборудование для сочинения и аранжировки музыки и песен.
10. Технология аранжировки на компьютере и синтезаторе.
11. Тонкости обработки вокала.
12. Как быть услышанным?
Часть мыслей можно найти на моём музыкальном сайте
В общих чертах, сокращенно некоторые из указанных тем уже описаны на страницах моего сайта http://shablia.narod.ru , в частности мои музыкальные пристрастия и основные приемы написания песен.
Кроме того, сразу же после написания очередной статьи я планирую размещать её на своем сайте. Найти их можно будет на странице http://shablia.narod.ru/sozdanie.html. А размещать материалы на страницах электронных изданий, каталогов и сайтов-партнеров предполагаю спустя некоторое время.
Логическое построение цикла «Создание новых песен и музыки»
Таким образом, отталкиваясь от «технологии» возникновения и создания музыки и песен, осознанной и прочувствованной мною за 23 года сочинения, я планирую перейти к выявлению проблем, мешающих созданию красивой новой музыки и ее продвижению к массовому слушателю. Затем рассчитываю предложить своё видение вариантов выхода из создавшегося положения как для рядовых любителей, так и для авторов песен и музыки. Как один из таких вариантов, хочу описать свой опыт создания, аранжировки и популяризации песен и музыки в сравнении с другими и в зависимости от поставленных целей.
Цикл статей «Создание новых песен и музыки» будет интересен и полезен:
Людям, желающим стать авторами новых песен, новой музыки
Надеюсь, что цикл статей будет интересен и полезен в первую очередь творческим людям, желающим стать авторами новых песен, новой музыки (особенно молодым, начинающим).
Желающим приобщиться к прекрасному, доброму, вечному
Сочетание философского осмысления положения дел в музыкальном творчестве и шоу-бизнесе с моим собственным взглядом «изнутри», как автора песен и композитора, может дать пищу для размышлений людям, искренне озабоченным состоянием музыкальной культуры, желающим приобщить наш народ и приобщиться самим к прекрасному, доброму, вечному, сделать людей лучшими, красивыми и одухотворенными.
Для создания программы действий по развитию культуры, искусства, музыки и шоу-бизнеса
Предложенные
пути выхода из положения, создавшегося в культуре, искусстве, музыке и шоу-бизнесе, могут стать логической основой программы действий по развитию этих направлений деятельности человека на государственном, межгосударственном, или региональном уровнях.
Молодым и начинающим композиторам, поэтам, авторам песен
Практические советы по сочинению, шлифовке, аранжировке, публикации музыкальных произведений, написанию новых песен помогут молодым и начинающим композиторам, поэтам, авторам песен сэкономить уйму времени, сил и денег. В частности, Интернет полон самой противоречивой информации, советов о путях и технологиях написания и обработки песен, причем зачастую без учета целей, задач, возможностей. Я переработал, осмыслил, испробовал многие из них. Так что лучше учитесь на моих ошибках.
Любителям и ценителям новой красивой музыки и песен
Наконец, представленная информация будет интересна и вдумчивым, небезразличным любителям и ценителям новой красивой музыки и песен, желающим постичь «творческую кухню» этого процесса, разобраться в своих впечатлениях от прослушивания музыки, понять, почему одни музыка или песни им нравятся. а другие вызывают отвращение.
Надеюсь на обратную связь с заинтересованными развитием музыки и песенного творчества людьми
Очень надеюсь на обратную связь с заинтересованными развитием музыки и песенного творчества людьми. С нетерпением жду Вашей реакции, Ваших мнений. Выдержки из Ваших писем, публикаций (с Вашего позволения) тоже надеюсь использовать в процессе обсуждения и дискуссии.
Приношу извинения тем людям, которым мои мысли не понравятся
И ещё одно. Я пишу этот цикл статей для того, чтобы поделиться с другими людьми своим опытом, наблюдениями, знаниями. Показывать, подчеркивать на каждом шагу скромность автора в задачи этого цикла не входит. Поэтому я здесь единственный раз приношу извинения тем людям, которым мои мысли, оценки, мнения, рассуждения как о своем творчестве, так и об искусстве других людей покажутся слишком самонадеянными, резкими, безапелляционными и т. д. То, что я пишу — исключительно моё частное мнение, я не насаждаю его остальным. Вы можете иметь точку зрения, прямо противоположную моей, можете давать свою оценку мне и моим мыслям: это Ваше право. А моё право — писать то, что думаю я, без излишних реверансов и ритуальных танцев, направленных на задабривание тех, кто «чего-то там обо мне может подумать».
————————————————————————————
Спасибо, что были со мной.
Я люблю всех и желаю всем счастья, любви и красивой музыки.
Автор новой музыки и романтических песен о любви, композитор, поэт Шабля Владимир.
Сайт: http://shablia.narod.ru .
E-mail: Shablia@Yandex.ru .
Телефоны: +380577403710, +380661702214, +380577403417

Телефоны: +380577403710, +380661702214, +380577403417

Эта статья может свободно перепечатываться, выставляться и распространяться в электронном виде на любых сайтах при условии сохранения прямых ссылок на сайт

автора песен, композитора Владимира Шабли и сохранения блока информации об авторе.
—————————————————————————————-

Когда хочется петь

Зачастую взрослые, приступив к своей трудовой деятельности и обзаведясь семьёй, с ностальгией вспоминают весёлые школьные и студенческие годы. Казалось бы, вся радость жизни — мечты, приключения, друзья, — всё осталось там. И для многих осознание этого становится первым шагом к тяжёлому кризису.
Как сделать свою жизнь интересной, насыщенной? Есть масса способов. Немногим счастливчикам удаётся найти себя в любимой работе. Другие занимаются спортом. Третьи с упоением отдаются искусству…
Одно из прекраснейших изобретений человечества — это хор. В последние годы хоровое движение в России поднимает голову: рождаются новые коллективы, проводятся фестивали и конкурсы хоров, всё больше и больше молодёжи и взрослых людей приходят в хор.
Зачем это нужно? В первую очередь, хор даёт человеку ощущение счастья. Можно сказать, что хоровое пение имеет ярко выраженный психотерапевтический эффект. Человек поющий умеет расслабляться, меньше подвержен влиянию стрессов, депрессиям.

Влияние музыки и пения на человека, при правильно подобранном репертуаре, выражается в создании определенных эмоциональных переживаний, оказывающих благотворное влияние на психику человека. Теперь о пении вообще (и хоровом, в особенности) как о средстве профилактики, а иногда даже и лечения многих заболеваний, в том числе и нервно-психических расстройств, говорят не только хормейстеры, но и медики, психологи, учёные-исследователи.

А теперь представьте себе хор, берущий чистый аккорд на два, три, четыре… восемь голосов! Или поющий в унисон. Это такой восторг, которого, испытав его хоть однажды, с нетерпением ждёшь снова и снова. Очень метко сказала одна хористка: «Хористов, как и наркоманов, бывших — не бывает».
Правильное пение, особенно хоровое, весьма благотворно складывается на здоровье певцов, так как правильное пение — это в первую очередь правильное дыхание, которое является неотъемлемой частью многих оздоровительных систем и видов спорта. Кроме того, музыка вообще влияет на интенсивность обменных процессов, работу сердечно-сосудистой системы, на повышение тонуса головного мозга и кровообращения.

Пение помогает в лечении многих хронических заболеваний. В Австралии медики заметили, что пение способствует улучшению состояния больных с заболеваниями позвоночника и суставов. Практика хорового пения активно внедряется в программу лечения и профилактики во многих медицинских учреждениях.

Например, в одной из саратовских женских консультаций регулярно распевается группа беременных, сообщает «Российская газета-Неделя» (Саратов №4709 от 17 июля 2008 г.): «Таким образом, женщины смогут слушать свое тело, тренировать дыхание, лучше чувствовать малыша. Кроме того, у голосящих будущих мам расслабляются межреберные мышцы, снимается напряжение в грудной клетке, а вибрации, которые исходят во время пения, воспринимаются малышом как легкие поглаживания». Ну а детское хоровое пение — это один из реальных путей формирования физически и духовно здоровой, культурной, способной творчески строить свою жизнь, нации.
Также трудно переоценить социальную и культурную функции хорового движения. Сегодня всё больше молодых людей понимают, что искать счастья на вечеринках и сомнительных тусовках бессмысленно. Свой круг общения «по интересам», круг, в котором можно найти хороших друзей, а может быть, и свою половинку, нужно строить с умом, постоянно познавая и совершенствуя самого себя. Поэтому всё более популярными становятся любительские виды спорта, любительский театр, любительский хор… Причём хор — одно из самых доступных занятий для современного студента и для взрослого с любым уровнем дохода: в наше время практически в любом городе можно найти хоровой коллектив, в котором не требуется платить какие-либо взносы, не нужно запасаться дорогостоящими реквизитами, да и инструмент хориста всегда при нём.
Наконец, хор — это просто весело. Если вам кажется, что на репетиции ходят исключительно безнадёжные «ботаники», знайте — это совсем не так. В репертуар любительского хора могут входить произведения и духовного жанра, и джаз, и даже обработки современных шлягеров. Многие коллективы не ограничиваются только хоровой деятельностью.

Хористы-любители — это люди самых разных профессий и званий, которые дружат и делают общее дело. А многим из них и хора мало. Они занимаются спортом, устраивают походы, праздники, капустники, конкурсы, выезжают на активный отдых. Хор — это особая «ячейка общества», как большая семья, где каждый, обладая своим уникальным голосом, вкладывает частичку в создание общей гармонии. Хор учит познавать себя и чувствовать окружающих.
Чтобы найти себя в хоре, совсем не обязательно обладать выдающимися певческими способностями от природы — многие хормейстеры убеждены, что научить петь можно практически любого человека (конечно, если он не глухонемой). Было бы желание…
Три вещи в жизни нашей
Приносят радость нам:
Звук музыки святой,
Любви огонь живой,
И доброго бокал вина —
Тогда весельем жизнь полна,
И мир светлей для нас!
Музыка Д. Фредеричи, русский текст Б. Карандасова
Для тех, кто не знал или забыл, что такое пение а капелла, предлагается к прослушиванию:
Lotti A. «Miserere» в исполнении хора ЛЭТИ

Deep Purple. От «Оттенков пурпура»…

Deep Purple. От

Цена: 300 рублей

Название: Deep Purple. От «Оттенков пурпура» до осколков «Метеора»

Автор: О. Федоров

Год выпуска: 1993

ISBN: 5-7216-0010-1

Страниц: 192

Описание:
Издание 1993 года. Сохранность хорошая. Книга Олега Федорова, открывающая серию `Легенды рока` в увлекательной форме повествует об истории английской рок-группы `Deep Purple`.

Технологии наращивания ногтей

За последние несколько лет одной из самых популярных процедур, проводимых в косметических салонах, стало наращивание ногтей различными материалами. Чаще всего используются гелевые и акриловые технологии, чуть реже – укрепление при помощи шелка, или запечатывание собственного ногтя. В среднем, в зависимости от сложности заказа, процедура наращивания составляет от 2 до 4 часов, но зато потом полученным результатом можно будет любоваться более двух недель.
Если Вы решили нарастить ногти, сперва нужно определить для себя, какого именно результата Вы хотите достичь. В профессиональных салонах Вам смогут дать необходимую консультацию и рассказать о том, что же в принципе бывает в природе, какие технологии наращивания ногтей используются, и какая из них подойдет именно Вам.
Решите для себя, длинные или короткие ногти Вы бы хотели иметь, какая у них должна быть форма, насколько загнутыми должны быть кончики и т.д. Определитесь с дизайном. Если Вы любите классический цветной маникюр, Вам одинаково подойдет и гель и акрил.

Аквариумный дизайн (когда в толщину ногтя вживляются украшения и различные материалы) традиционно делают при гелевой технике наращивания ногтей. Водопадный дизайн ( с объемными фигурами) применяется чаще на акриле. А если Вы любите френч, то необходимо определить, каким образом Вы будете его делать – на специальных типсах, или выкладывая «линию улыбки» белым или цветным гелем.
Обязательно посоветуйтесь с мастером по поводу Вашей естественной формы ногтей. Быть может некоторые формы и методики наращивания ногтей Вам просто не пойдут, или будут неудобны в жизни. Если у Вас есть проблемы со своими ногтями – обратите на это внимание мастера. В некоторых случаях неправильную форму ногтя можно исправить при помощи наращивания.
А в целом, не бойтесь экспериментировать. Современные технологии наращивания ногтей не приносят вреда и Вы в любое время сможете вернуться к своим ногтям.

О рок-группах 80-х

Я вот подумал: а во время горбачевской перестройки жить было интересно, за исключением, разве что, последних двух лет, когда на телевидении начали снова прижимать все прогрессивное и демократическое, а из магазинов пропало решительно все (очереди, талоны, карточки — все это я хлебнул сполна, до сих пор вспоминаю с ужасом). Зато года 1985-89… Эх, сколько открылось нового, прежде недоступного! Литература, кино, рок-группы, еще вчера запретные, ставшие доступными и собиравшие стадионы… Вспомнилось несколько концертов, на которых довелось побывать. До сих пор помню ощущение…как бы сказать…особого восторга, какой-то окрыленности, что ли, которое нередко возникало у меня благодаря этим концертам, а теперь почему-то почти не приходит… Зато есть что вспомнить!
«Час Пик», год 85-й. Синтез-группа «Час Пик», вот так вот, вычурно и фигурально. Музыка простая, но искренняя и заводная. Сейчас уже мало кто помнит эту команду, а в то время едва ли не каждая группа, игравшая на танцплощадках, имела в своем репертуаре их песню «Жизнь на колесах» (группа «Результат», в которой я играл тогда на танцах в Ясной Поляне, тоже не была исключением).

Гораздо позже я узнал, что в этот период на клавишах у них играл никому не известный тогда, изрядно подзабытый сегодня и очень мною любимый Андрей Мисин. Помню, что было на сцене два клавишника, один из них, скорее всего, и был Мисин. На этот концерт я ходил со своей старшей сестрой — хотел приобщить ее к «прекрасному»; она мои музыкальные вкусы, мягко говоря, не разделяла. Просидела она весь концерт в полном оцепенении от громкого звука и мигания стробоскопов, а я кайфовал… После этого концерта я оставил тщетные попытки перевоспитания сестры.
Группа Стаса Намина, тогда еще в очень неплохой форме (год 85-й). Песни «Юрмала» и «Мы желаем счастья вам» — на пике всенародной любви. Ударные — Владимир Ильич…(пауза) Васильков! Так его объявили. Владимир Ильич выдал отменное соло на барабанах, а Игорь Мялик — на гитаре.

В самом финале, во время исполнения на бис «Мы желаем счастья вам», на пафосной фразе «Согревал тепло-о-ом» упал, как подкошенный, вокалист Александр Лосев. Песня была прервана, аппаратура отключена, по сцене забегали какие-то технические работники в синих комбинезонах… Оказалось, Лосева долбануло током от микрофонной стойки, его унесли со сцены за руки и за ноги. Вот такая эффектная получилась кода. К счастью, он остался жив.
«Веселые ребята», год 85-й. Пожалуй, лучший состав за все долгое время их существования. Буйнов — клавиши, Глызин — гитара, еще один гитарист (фамилии не помню), Рыжов и Китаев — ритм-секция, известная к тому времени по участию в молодом «Динамике» Кузьмина — музыканты экстра-класса.

Когда Сергей Рыжов исполнил соло на бас-гитаре (а это был знаменитый каприс Паганини), зал сначала просто замер в немом восторге, а потом разразился овациями, от которых задрожали стены. Это было лучшее басовое соло, которое я видел и слышал когда-либо в своей жизни. Звучали песни «Банановые острова» и «Мальчик Бананан». Комментарии излишни. Кто помнит, тот поймет, а кто не помнит — объяснять бесполезно 🙂
«ЭВМ», год 86-й. В 85-м году вышел магнитофонный альбом этой группы. Альбом, на мой взгляд, был так себе, излишне попсовый, с выведенными на передний план неживыми барабанами (тогда в моду начали активно входить «японские барабанщики», не всегда звучавшие живо и убедительно).

Но в группе этой были два интересных человека — экс-вокалист и экс-гитарист «Круиза», Александр Монин и Григорий Безуглый. Мне очень хотелось посмотреть на них еще в их «круизовскую» пору. И на Гаину, и на Сарычева… На концерт «Круиза», который был в Туле двумя годами раньше, я не попал. Реклама отсутствовала, и в Щекино, где я жил тогда, весть о «Круизе» не добралась. Впоследствии я узнал, что возле филармонии собралась огромная толпа страждущих фанов, дело кончилось беспорядками с битьем витрин, и концерт был отменен.
Хеви метал тогда был в большой моде, и «ЭВМ» быстро перековали свои попсово-мелодичные орала на угарно-тяжелые металлические мечи, оставив прежний песенный репертуар. На концерте царил конкретный угар, волосатая проклепанная публика заходилась от восторга. На разогреве играла никому не известная по сей день джаз-роковая группа «Парафраз», жестоко освистанная металлистами. Монин был, как всегда, на высоте. А Безуглый спел замечательно светлую, красивую балладу:
Где-то в море остров есть,
Там хранит свой клад судьба…
Фотография сделана на том самом концерте моим приятелем. На ней Александр Монин, по сей день один из любимейших мною рок-вокалистов. Двадцать лет лежит она в кассетной коробочке «BASF» с надписью «Круиз»…

http://muzik.vhodv.com

«Диалог», год 86-й. Концерт этот я ждал с особым трепетом, мне все казалось, что его по каким-либо причинам отменят. Такой случай уже был. Я очень хотел пойти в 84-м на концерт «Автографа», ждал его, не веря предстоящему счастью и считая дни в календаре, но на беду в день концерта умер министр обороны маршал Гречко.

Траура официально не объявили, но все «увеселительные мероприятия» отменили. Пришлось сдать билет обратно, и «Автограф», который я очень любил, живьем я так и не посмотрел.
К счастью, все обошлось, и ожидания мои были не напрасны. Ощущение немого восторга, которое я испытал, когда вошел в зал и увидел аппаратуру, стоявшую на сцене, и предвкушение ДЕЙСТВА, не описать… Как говорится, предчувствия меня не обманули.
Медленно погас свет, среди дымов в лучах прожекторов возник Ким Брейтбург с двенадцатиструнной гитарой, и началось…
Эй, садись, странник…
Сядь, неведомый брат мой…
Ты пришел издалека…
(Прожектора, лазер, дилэй…)
Эй, садись, странник,
Раздели со мной хлеб и слова…
А затем ударные, подсвеченные откуда-то снизу… (блистательный барабанщик — Анатолий Дейнега). Неблагодарное занятие — описывать музыку. Друзья мои, какое это было счастье — быть сопричастным тому, что происходило!.. Получасовая композиция «Раздели со мной» на стихи Марцинкявичюса прошла как одно мгновение. Это было по-хорошему монументально и пафосно.

Затем было второе отделение. Лучшие песни «Диалога» — «Сверчок», «Просто», «Все летают», «Эвридика» и многие другие, на замечательные стихи Поженяна, Левитанского, Кирсанова, Тарковского… Я слушал, я внимал, я наслаждался… Не верится, что для «Диалога» это был всего лишь плановый концерт, обычная работа. Волшебство и магия текли в зал сплошным потоком, вместе с великолепной музыкой и потрясающими видеоэффектами. В один из драматических моментов было такое ощущение, что музыканты стоят по колено в теплой дымящейся крови, и она неторопливым потоком течет в зал. Я испытал настоящий шок.
Этот концерт, без сомнения, был самым лучшим из всех, что я когда-либо видел. Такого накала страстей, такого мастерства, искренности, да и просто такого технически сильного шоу (по тем временам просто фантастического) сцена Тульской филармонии не видела по сей день. Убежден, что и сейчас, 20 лет спустя, после всего-всего, что было, если бы этот концерт прошел бы (с тогдашними молодыми музыкантами и тогдашним оборудованием), он был бы не менее злободневен и интересен. Не хочется думать о современном Брейтбурге, пишущем песни для Бори Моисеева…
«Красные Маки», год 86-й. Оговорюсь сразу, что «Красные Маки» 70-х и 80-х — две совершенно разные группы. В 70-е это был обычный ВИА: «Кружатся диски», что-то такое… Официоз и тоска. В 80-е это была энергичная и стильная группа. Их программа «Звездный дилижанс» была очень хороша. На магнитофонных кассетах она обошла все города и веси и имела большой успех.

Вот именно эту программу я и видел на концерте. Самое большое впечатление произвела композиция «Памяти Джона Леннона»:
Но рано или поздно —
А все же гаснут звезды…
По небесам
И здесь, и там
Стекают будто слезы по щекам…
Визуальное оформление было соответствующим — темные силуэты на мертвенно-бледном фоне, в финале фрагмент из знаменитой «Imagine» и пронзительное гитарное соло…
У меня была эта запись на кассете. К сожалению, не сохранилась. Не знаю, издавался ли «Звездный дилижанс» на каких-либо других носителях и остался ли он где-либо вообще. С удовольствием купил бы такой компакт-диск.
Надо сказать, что в середине 80-х все еще сохранялось разделение рок-групп на филармонические (официальные) и любительские. Разница состояла в том, что «любители» имели трудовые книжки в местах, не имевших отношения к музыке, во избежание конфликтов с советским трудовым законодательством.

Они работали, как правило, в местах с графиком «сутки через трое» или устраивались куда-либо на неполный рабочий день. Это давало, помимо избегания конфликтов с законом, небольшой, но стабильный заработок и возможность в свободное время заниматься творчеством. В период перестройки Ленинградский рок-клуб и Московская рок-лаборатория получили возможность устраивать не только концерты «любителей», но даже гастрольные туры. Кроме того, в разных уголках тогда еще «единого, могучего» Советского Союза постоянно проходили громкие фестивали. В общем, музыкальная жизнь бурлила. «Любители» фактически становились «профессионалами», все еще работая сторожами, кочегарами и дворниками.
Летом 1987 года меня забрали в армию. Мой призывной возраст пришелся на сравнительно короткий период, когда студентов брали в солдаты, не взирая на наличие военной кафедры (в нашем тульском политехе таковая имела место быть). За 87-й год (точнее, за его первую половину, вторая прошла уже в армии, а молодому бойцу, сами понимаете, не до концертов) я посмотрел две замечательные «любительские» группы.
«Зоопарк». Называлось это мероприятие «Музыкальный ринг» с группой «Зоопарк» и проходило оно в ДК профсоюзов («любителей» в филармонический зал у нас в Туле тогда еще не пускали. Сейчас в помещении бывшего ДК профсоюзов находится ночной клуб «Премьер»). В этот период телевизионный «Музыкальный ринг» Тамары Максимовой перешел с питерского телевидения на Центральное и был очень популярен, словосочетание это было на слуху у всех меломанов.
Практически все выглядело так. На сцену вышел помятого вида человек, назвался директором группы «Зоопарк», сказал, что он представляет Ленинградский рок-клуб, немного рассказал о группе и предложил по ходу концерта писать записки с вопросами и передавать их на сцену. В перерывах между блоками песен он исправно отвечал на вопросы.

Запомнился, например, такой: «Почему вы исполняете чужие песни?». Имелась в виду знаменитая «Буги-вуги каждый день», которую часто показывали в «Утренней почте» в исполнении бит-квартета «Секрет». На этот вопрос ответил, по-моему, сам Майк: дескать, ничего подобного, песня-то как раз наша, и у нас есть договоренность с Леонидовым по поводу ее исполнения.

Я задал вопрос об «Аквариуме»: мол, что о них слышно в рок-клубе, чем они занимаются, есть ли у них профессиональный статус? Человек, назвавшийся директором, ответил, что «Аквариум» — это их друзья, у них все в порядке, они активно выступают и записываются. После некоторой паузы с высоким пафосом в голосе добавил: «Слухи о профессионализации (т.е. фактически о прирученности и продажности «Аквариума») сильно преувеличены. Это ничего, что у них на «Мелодии» пластинка вышла. «Аквариум» — любительская группа!»
Концерт мне очень понравился. Не столько музыкой, сколько атмосферой. Майка Науменко не зря называют последним рок-н-ролльным романтиком. В зале царил дух питерского андеграунда (каковым он мне представлялся, по крайней мере). Думаю, многие, помимо меня, испытали это ощущение причастности к запретному (или полузапретному) плоду…
«Кино». Собственно, это был не сольный концерт «Кино», и состав был неполным. Впрочем, обо всем по порядку.
В начале июля 1987 года (числа, по-моему, 1-2, как раз накануне моего отбытия в Вооруженные Силы) у нас в Туле силами местной комсомольской организации и отдела культуры было решено провести масштабный рок-фестиваль с участием местных групп и приглашенных гостей. Ранее подобные мероприятия у нас не проводились, поэтому фестиваль этот вызвал большой ажиотаж, как со стороны музыкантов, так и со стороны зрителей.

Фестиваль проходил в течение двух дней, выступило больше 20 групп со всей Тульской области, а зал ДК профсоюзов ломился от зрителей. Все проходило «как положено» — с участием жюри из комсомольских работников и раздачей призов, хотя, надо сказать, атмосфера на этом празднике была вполне неформальной. В качестве «спешиал гест старз» и, естественно, вне конкурса, выступили «Коррозия металла» и «Кино». Более того, Цой был председателем этого самого жюри, сидел в центре зала и смотрел все, что происходило на сцене. (Я сидел неподалеку, и больше смотрел на реакцию Цоя, чем на сцену).
Это было начало второго дня фестиваля. Сначала вышла «Коррозия», вызвав восторг металлистов. Помню, на сцене все время что-то взрывалось, ничего более вразумительного сказать о них не могу. Потом вышел какой-то человек в пиджаке, с комсомольским значком, и сказал: мол, спасибо «Коррозии металла», следующими выступают… его неоконченная фраза утонула в реве фанов: «Цепная реакция!» После «Коррозии» надо слушать только «Цепную реакцию»!!! Человек ушел совещаться с жюри, уж больно настойчивы были поклонники «Цепной реакции». Посовещавшись, решили: да будет так. «Цепная реакция»!
Кстати, группа была очень даже интересная. Мастерством игры ребята не отличались, тексты были просты, как табуретка, но драйв был просто бешеным, зал завелся с полуоборота. Кроме них никто из конкурсантов мне не запомнился. Отыграло еще группы четыре, объявили перерыв, и после перерыва под гром оваций вышло «Кино».

Точнее, вышел Цой с двенадцатистрункой и Каспарян со своей белой «двухрожковой» электрогитарой (запомнилась серьга в виде крестика в его ухе и темные очки, а на гитаре этой он играет, кажется, по сей день). Несмотря на отсутствие баса и барабанов, звук был плотный и достаточно мощный, энергетика Цоя била через край. Смотреть на него живьем — это совсем не то, что слушать его в записи (хотя записи у них всегда звучали более четко и грамотно, чем живые выступления). Цой был чертовски обаятелен и убедителен на сцене, девушки то и дело дарили ему цветы. Они сыграли примерно половину песен из «Группы крови», тогда еще почти никому не известной, кое-что из «45» и «Начальника Камчатки», и, конечно же, «Мы ждем перемен».
Этот период времени был самым началом всесоюзного триумфа «Кино», настоящей «киномании». Цой еще не был в массовом сознании «последним героем» и звездой. Это был тот же, что и в случае с «Зоопарком», глоток питерской свободы. Для меня — более чем кстати: 6-го июля я ушел в армию…

Путеводитель по операм (комплект…

Путеводитель по операм (комплект из 4 книг)

Цена: 1104 рублей

Название: Путеводитель по операм (комплект из 4 книг)

Автор: Имре Балашша, Дердь Шандор Гал

Год выпуска: 1993

Страниц: 926

Описание:
Путеводитель по операм знакомит читателей с оперным репертуаром от Древней Греции через эпохи барокко, классицизма и романтизма до выдающихся творений современной оперной литературы.

Billy talent возвращаются!!!

«Мы хотим выпустить пластинку перед началом лета, так что поберегите свою энергию для нас!»
Канадские герои современного панк-рока Billy Talent готовятся засесть в студию и записать следующий альбом.
Группа говорит по поводу своего третьего альбома: «люди могут ожидать лучшую пластинку от Billy Talent!», «мы никогда ещё не были так вдохновлены!». Пока ещё альбом не имеет названия, но сами парни предполагают, что продолжат тему с номерами и назовут его «III», «3»или «три».
Буйное рок-звучание второго альбома подтолкнуло группу к новым высотам. Связь между участниками группы неразрушима, как результат 15-тилетнего существования коллектива. И так как ВТ на пороге нового шага, поклонники могут ожидать что-то действительно особенное от их совместной работы с продюсером Брендоном О’Брайеном.
Группа говорит: «Мы так рады иметь возможность работать с Брендоном О’Брайеном! Он спродюсировал несколько потрясающих пластинок! Все просто обязаны послушать ‘Evil Empire’ и ‘The Battle of Los Angeles’ Rage Against The Machine, вот почему мы так рады.
Первый раз мы записываемся не в Канаде….в ноябре мы отправляемся в Лос-Анджелес, чтобы записать барабаны на студии Henson Studios…. это потрясающая барабанная студия».
Billy Talent хорошо подготовились к работе в студии, написав музыку к большинству из 14-ти треков, которые планируют включить в альбом, и половину текстов. Предварительные названия нескольких песен — ‘White Sparrows’ («Белые воробьи»), ‘Sudden Movements’ («Резкие движения») и ‘Tears into Wine’ («Слёзы в вине»).

Идеалы женской красоты

Природа наградила каждого из нас натуральной красотой и шармом. Каждая женщина особенная, каждая красивая. Мы можем прятать эту красоту за косметикой , плохим настроением и неподходящей одеждой. Но природа не делает ошибок, и каждый из нас оригинален по-своему. Просто должно быть желание это рассмотреть.

Мода может диктовать свои правила, но настоящая женская красота восхищает своей неповторимостью.

Идеал красоты формировался столетиями. И каждый последующий всегда отличался от предыдущего.

Доисторический период. Первые изображения женщин были представлены с коротким туловищем, без особых очертаний, с чрезмерно преувеличенной грудью, животом, бедрами, маленькими ручками и ступнями. Все это определяло культ способности к воспроизведению потомства: красота и выживание тесно связаны между собой в представлении женской красоты того времени.

Египетские правила красоты. Во времена египетской цивилизации картина женской красоты подвергалась определенным предписаниям. Среди женщин того времени, египетская царица начала Нового царства Яхмос-Нефертари, считалась идеалом красоты. Она была объектом поклонений как божество и как человек как таковой: ее статуя представляет собой африканскую фигуру спортивного телосложения, с большими ступнями, круглыми ягодицами и маленькой грудью.

Греческая красота: почти мужское тело. В течении архаического периода (VII-VI века до нашей эры) статуи никогда не представляли настоящих людей, а воплощали в себе идеал красоты, силы, мужества и жертвоприношения. Эта же идея использовалась по отношению к мужчинам, только в еще более преувеличенной форме. Женщины были представлены в ниспадающих драпированных платьях, позволяющих выделять очертания их мужеподобных атлетических фигур. Красота была основана на гармонии тела, а не на искусстве.

Средние века. Чистота идеальна. В средние века косметика была запрещена всемогущей церковью, потому что это уродовало божественное существо. Дева Мария была представлена простой очищавшейся женщиной, и на Романских статуях была присутствовала исключительно для того, что бы держать младенца Иисуса на руках.

Белая кожа символизировала чистоту, непорочность, богатство и праздность. Все это очень ценилось в девушках того времени.

Средневековые нимфы обычно спрятаны за белыми одеяниями, тело идеальной женщины должно подчиняться специальным канонам. Женщина должна быть широкоплечей, с маленькой упругой грудью, тонкой талией, узкими бедрами и округлым животом. Молодежь и светловолосые заслуживали особого внимания.

Ренессанс: возвращение женственности. Во времена правления Катрины Медичи румянец был привезен с восточной Франции. С этого времени красотки французских дворов начали пользоваться косметикой для глаз, ресниц, начали красить ногти и губы, и пользоваись румянцем для щек. Куртизанки из Венеции, известные как самые красивые женщины, ввели в моду новый идеал красоты: белокурые красавицы с шикарными формами и бледными лицам (всем известные венецианские блондинки).

Ренессанс: земные женщины. Во времена Ренессанса женский облик появляется не только в религиозных тематиках. Он снова идеализирован. Многие элементы опять не пропорциональны: слишком длинные шей, или очень покатые плечи. Но во времена Ренессанса появляются реальные элементы.

Аристократы и покровители искусства, которые восхищались работами Рафаэля, так же любили округлые формы женщин Тициана и Рубена.

Один человек в XVI веке вывел абсолютно нестандартную формулу женской красоты, умноженную на три.

По его мнению, у красивой женщины должно быть:

Три белых — кожа, зубы и руки.

Три черных — глаза, ресницы и брови.

Три красных — губы, щеки и ногти.

Три длинных — тело, волосы и руки.

Три широких — грудная клетка, лоб и расстояние между бровями.

Три узких — рот, плечи и ступни.

Три тонких — пальцы, волосы и губы.

Три округленные — руки, торс, бедра.

три маленькие — грудь, нос и ножка.

XVII век: культ усовершенствования. Во времена классической эпохи, красота подчинялась культу усовершенствования. У женщины должно было быть тело молочницы, с узкой талией, шикарной грудью и немного пухленькими ручками.

XVIII век: возвращение к природной красоте.

XIX век. Между непорочной женой и болезненной красотой.

Ди Кастильоне, «королева сердец Империи», считалась самой красивой женщиной того времени; она воплотила красоту женского тела молочницы с невероятными формами и восхитительным бюстом.

Вторая творческая модель XIX века это болезненная женственность. У этой красоты болезненная окраска, черные круги под глазами и впадшие щеки. Похожие признаки раздражительности и отчаяния вырисовываются на картинах женщин с загадочным, недоступным и нереальным видом.

XX век: от мужеподобной женщины к красавице Мерлин Монро.

В XX веке популярна мода женщин с короткими мужскими стрижками, в мини-юбках. Бедра и живот должны быть плоскими, маленькая грудь, и платья должны показывать достаточно сильные руки и красивые ножки.

После Второй Мировой Войны худощавость считалась признаком плохого здоровья. Голливуд, место, где сбываются мечты, создает новый идеал красоты: сексуальная блондинка Мерлин Монро. Известная актриса, которая начала свою карьеру, позируя обнаженной на календарь, стала символом красоты. Платиновый блонд олицетворяет чистоту и сексуальность, страсть и детскую наивность.

Постепенно, буржуазный идеал заменили из сознательности. Пришло время опровержения устоявшейся модели и оправдания женщины.

Мода может диктовать что угодно, настоящая женская красота проявляется в индивидуальности. В наше время нет определенной модели красоты. Блондинки до сих пор привлекают своей чистотой, безупречностью и наивностью. А брюнетки — загадочностью, страстью и сексуальностью.

Источник: Ukrainian Girls